mardi 11 juillet 2017

Chassagne-Montrachet exposition

Lorsque l'Image évoque souvenirs et histoires et si de surcroît celle-ci flatte le regard, pourquoi le tableau ne serait-il pas réussi ?







dimanche 2 juillet 2017

TRIBUTE/ HOMMAGE

Eloge de l’Image - Vive la peinture et la contestation !
Une quinzaine de peintures mais plus d’une centaine de grandes photos.

Mais qui se souvient encore des jeunes filles en fleurs de Jules Lefebvre (1836 -1911), le peintre académique couvert d'honneur, officier et même commandeur de la Légion d'Honneur, membre de la toute puissante Académie des Beaux-Arts et professeur de la renommée Académie Julian ?
Le jour du décès du célèbre peintre, Picasso a alors tout juste trente ans et ses "Demoiselles d'Avignon" en ont quatre.
Sous prétexte de recherche, de modernité et d'innovation, l'Image désormais change de forme, peut-être davantage pour le pire que le meilleur ?
D'un XXe siècle riche en diversités, les institutions et l'histoire de l'art retiennent et mettent en exergue surtout les formes d'expression plastique dont l'objectif consiste principalement :
- soit à se manifester sur un mode sommaire et iconoclaste,
- soit à retrouver la source primitive et instinctive de l'acte créateur.
A partir de ces remarques, les hommages représentent une rupture avec la notion couramment admise d'art contemporain.

Institutions and the history of art only retain from the rich diversities of 20th century art forms such works as are mainly concerned with two objectives:
Drawing attention in a crude and iconoclastic fashion or retracing the path to the primeval and instinctive act of creation.
"Les Hommages" is thereby an ensemble of paintings that came into existence in reaction against minimalism and conceptual art. They deliberately break away from the commonly accepted view of contemporary art.

Pougues-les-Eaux, interprétation d'après Jules Lefèbvre, son Pavillon des Sources
Tribute Jean-Léon Gérôme, William Bouguereau, Ricardo Falero, Adrien Tanoux
URBEX 2015
L'achat d'oeuvres par les institutions permet à une poignée d'artistes de ne se consacrer qu'à leur art. Pour d'autres, plus nombreux, une représentation imagée et traditionnelle de l'environnement constitue l'assurance d'un gain plus ou moins régulier.
Toutefois, et malgré ces positions opposées, la plupart des artistes souhaitent que leurs oeuvres soient exposées, reconnues et si possible rémunérées, et il demeure difficilement contestable que la reconnaissance sociale de tout créateur vivant consiste aussi pour celui-ci à trouver sa place sur le marché.
Le pouvoir, qu'il se prétende socialiste ou libéral, cherche naturellement à être suivi et obéi, à défaut d'être toujours soutenu ; artistes et oeuvres d'art peuvent constituer des auxiliaires intéressants.
En fonction de leurs sensibilités, les artistes sont parfois amenés à se déterminer par rapport à ce pouvoir, qu'il soit politique ou commercial, qu'ils choisissent de le servir, de le contester ou de l'ignorer. Ils sont également appelés à se positionner à l'égard de l'art dominant de leur époque, c'est-à-dire actuellement la tendance conceptuelle et minimaliste.
En France, ces relations prennent une acception toute particulière : révolutions ou, plus exactement, changement de majorités ne sont pas rares et il paraît assez difficile d'échapper au débat politique et social du pays, notamment en regard de l'héritage de 1789 et de ses principes.
Avant la Révolution, les artistes échappent rarement au statut de courtisan ou aux commandes de l'Eglise. En tout cas, pour les plus reconnus d'entre eux. Après, et en particulier au XIXème siècle, ceux qui relèvent de l'Académie, sont quelque peu tributaires du goût du Second Empire puis de la Troisième République.
Désormais, pour être soutenu, il faut appartenir au courant conceptuel-minimaliste.
La République entérine ainsi une tradition française, déjà mise en oeuvre par le pouvoir royal, poursuivie par l'Empire, et qui reste marquée par l'engagement de l'Etat en faveur de l'art et de la culture. Dès lors, cette spécificité nationale ne cessera pas de susciter débats et controverses.

Les premiers musées publics, la plupart du temps issus de la Révolution de 1789, ont été créés dans le but de montrer au plus grand nombre les principales oeuvres des collections royales. Leurs fondateurs poursuivaient semble-t-il un objectif pédagogique, moral, mais aussi politique. Ils se plaçaient surtout dans une perspective historique, ce qui écartait en règle générale la présentation d'oeuvre d'artiste vivant.
La fin du XIXème siècle verra émerger la notion d'art "contemporain" qui contribuera involontairement à l'apparition d'une avant-garde, groupe extrêmement restreint et en marge de l'art officiel d'alors : l'académisme. Mais en 1929, l'isolement de ces artistes d'avant-garde commencera à se rompre avec la fondation du musée d'art moderne de New York, conçu pour les recevoir. Depuis, les institutions de ce type se sont multipliées dans le monde occidental, en exerçant bien entendu une action déterminante à travers les achats et les expositions, ce qui a fini par établir, puis officialiser, une nouvelle norme esthétique notamment caractérisée par la marginalisation de la peinture.
A partir de là et dans son principe, la politique française du mécénat public en épousant fidèlement ce nouveau modèle, ressemble ainsi étrangement à ce qu'elle était à la fin du XIXème siècle. A l'influence tendancieuse des Salons de la Troisième République et du Second Empire s'est substitué le réseau des Fonds et Centres d'art, toutefois avec le public en moins - détail d'importance - qui hypothèque grandement la légitimité de l'art officiel de maintenant, c'est-à-dire le conceptuel-minimaliste.
On peut également noter que l'exception culturelle française dont on entend parler, en tout cas dans le domaine des arts plastiques, semble toute relative ; les musées d'art moderne et contemporain - Centre Pompidou, FRAC - n'ont finalement fait que suivre les tendances proposées par le musée new-yorkais.

Aujourd'hui il faut bien admettre que l'objectif initial de démocratisation de la culture, impulsé sous le ministère Malraux, a fini par s'essouffler. Ainsi, dans le domaine des Arts Plastiques, force est de constater le peu d'attention accordée aux oeuvres contemporaines par le public. Il est vrai que l'avant garde en rompant avec l'Art au sens propre du terme, rend les impostures toujours possibles et le manque de repères évidents.
Néanmoins les éléments de continuité dans l'orientation de la politique culturelle, malgré les changements de ministres, sont tout à fait remarquables déjà et sans doute à cause de la permanence des groupes de pression. On peut penser que les mêmes professionnels reconnus et bien en place souhaitent rester, quelle que soit la tendance, gauche ou droite, les mêmes interlocuteurs incontournables et privilégiés des pouvoirs publics.
Ces artistes et marchands établis peuvent parfaitement compter sur l'inertie de la machine administrative française, mais aussi sur la relative permanence des modes internationalement définies, en tout premier lieu par les États-Unis. MV/ le 26/03/1998



mercredi 21 juin 2017

vendredi 9 juin 2017

What is Art ? Tribute

"Qu'est-ce que l'art ? Existe-t-il en dehors de l'art d'autrefois ?"
"What is art ? Can it exist by ignoring the legacy from the past ?"
La Figuration, après un siècle qui a surtout cherché à s'en affranchir, offre toujours une bonne source d'inspiration, mais aussi de sens et de diversité.

Their purpose is to show that Figurative art in spite of every effort made over the past century to be freed from it still remains, in its diversity, an invaluable source of inspiration.
















jeudi 8 juin 2017

Typographie

http://verat.pagesperso-orange.fr/abecedaire.htm

LE CHOIX DES POLICES
Times New Roman 1931
Stanley Morison, conseiller durant trente ans en typographie au Times de Londres, créa cette fonte pour le célèbre quotidien. Elle fut pendant une année la seule utilisée, prenant notamment la place des traditionnels caractères gothiques employés alors.
La simplification du dessin de chaque lettre signifiait que le texte pouvait être condensé tout en demeurant clairement lisible, offrant par ailleurs un gain de place appréciable.
Sabon 1964

Jan Tshichold fut au début de sa carrière un moderniste, prônant la simplicité et les compositions symétriques. Son premier ouvrage « Die Neue Typographie », publié en 1928, eut un impact important sur les membres du Bauhaus. Dans les années trente, Tshichold revint à un style proche de l'alphabet Elzevir. Sa fonte Sabon fut la première à être conçue pour Linotype, monotype et composition manuelle. Elle représente une version modernisée de la célèbre Garamond. A l'heure de l'informatique et du traitement de texte, ces trois genres d'écriture, finalement très proche dans leur graphisme, font parties des types de caractères les plus couramment employés.